J'ai commencé à écrire quelques notes sur la poétique et l'évolution de Carlos Sablón. Je l'ai connu presque enfant, à ses premiers balbutiements plastiques, en tant qu'artiste socialement engagé, avec un mélange très courant à cette époque d'une critique virulente et d'une poésie douloureuse dans des images presque toujours allusives au phénomène de dévalorisation du talent et à la prolifération des modèles bureaucratiques.
Il existe à Cuba toute une génération d'artistes qui ont entamé ce discours dans les années 80 et ont été les grands visionnaires. Une décennie plus tard, la société remarquerait que les avancées d'instabilité et d'incohérence reçues par l'avant-garde créative avaient abouti à une moralité vulnérable, façonnée par les modèles de convenance de la classe qui en est venue à miner les fondements du processus politique dans la Perle des Caraïbes.
Carlos a grandi dans des temps des incertitudes et de nostalgies, dans des années de profondes pénuries de toutes sortes, où la transfiguration sociale et personnelle était monnaie courante, présente à chaque repas. Ainsi, vingt ans après l'avant-garde des années 80 à Cuba, ce jeune homme de Bayamo, ville de l'est du pays, a suivi leurs préceptes. Bien qu'il y ait toujours eu dans ses œuvres des touches de mélancolie personnelle, ce n’étaient que des suggestions de ce qui est maintenant son discours : un discours incarné, choisi avec une totale liberté et une intentionnalité à partir d'autres domaines et espaces physiques et culturels qui ont beaucoup contribué à son bagage émotionnel et vécu.
Carlos a macéré des influences locales et étrangères comme un pigment dans son intimité créative précoce et a maintenu une ligne expressive qui, pour d'autres, n'a mené nulle part, car ils ne sont jamais parvenus à se débarrasser du style collectif de l'art contestataire. Pour lui, cependant, qui a pris du langage universel ce qui était le plus proche de sa sensibilité, le chemin de l'expérimentation initiale s'est peu à peu transformé en une théorie solide, tout autant que sa réalisation.
Je me souviens, en jetant un œil à ses anciennes œuvres, que l'un de ses symboles récurrents était le palmier royal. Sa connotation en tant qu'arbre national et sa représentation dysfonctionnelle : enfermé, diminué et limité à un pot de bureau. Raide, habillé ; pour ternir scandaleusement sa beauté libre de banalités, qui l’avait fait figurer sur le blason national.
Il commençait à la vêtir de vêtements éloignés de l'homme simple qui avait vécu et était mort pour elle à travers l'histoire de la patrie. Il l'éteignait avec ce déguisement, prisonnière des apparences. Il la transforme en un subtil règlement de comptes avec les bureaucrates qui ont discrédité la poétique révolutionnaire et l'ont plongée dans la honte d'un destin prémédité et convenable. Son ventre gonflé, serré dans un costume froid, est bien loin de l'arbre qui couronnait nos maisons de campagne et notre croisade pour la liberté. C’est un chemin rugueux et difficile qui n'est pas encore terminé pour les artistes et les penseurs cubains.
Des images de franche répulsion président son œuvre rebelle, comme le jeune homme qu'il était. Perturbantes, elles ne sont pas passées inaperçues. Ainsi a commencé sa recherche de concept et de technique, au milieu de la confusion propre à l'époque, avec l'insouciance de ceux qui savent qu'ils ont trouvé leur voie et leur mode d'expression.
Après cette étape de définition, il commence à modeler son style sur des toiles troublantes et des compositions qui traitent du même sujet, mais avec un autre point de vue esthétique. Il y a une rupture technique marquée et il propose des images extraites de manière radicale de leur contexte. Elles sont superposées sur un fond dur, travaillé à la spatule pour attirer l'attention sur l'éphémère que peut être un statut, une position. Je me souviens du suicidaire avec des ballons au-dessus de la tête, en bas le petit banc, seul soutien pour ses pieds. Il pousse le banc, et les ballons feront le reste ; le mensonge gonflé de nuances achèvera l'acte d'exécution publique. C’est le murmure de l'artiste à l'oreille de ses spectateurs. Il en est de même pour la crucifixion qu’il suggère, le supplice est prêt… Son mode de suspendre les créatures et de les éloigner de l'équilibre est curieux. Il propose un monde qui peut être vulnérable, qui est là parce que nous l'avons laissé entrer. Le public ressent le besoin de s'engager, face à la nature accusatrice du discours et à la macabre idée conçue.
Des personnages d'une éthique douteuse, révélée par l'opposition des couleurs, sont les protagonistes de cette période. C’est à ce moment que l'artiste commence à esquisser certaines œuvres qui, plus tard, deviendront des pièces de finition minutieuse.
Nostalgies du bucolique perdu, de l'absence ou présence de l'identité suggérée par des images de champignons, début et fin, dans leur complexe simplicité. Surgit l'urgence d'un retour à l'élémentaire, l'urgence de se débarrasser du superflu.
La tonalité de ce moment est très vaste. Elle évolue dans un spectre considérable, testant tous les effets jusqu'à atteindre le noir total des ténèbres humaines.
Ce chemin l'a conduit à une renaissance. Après avoir touché le fond avec un existentialisme exacerbé, il commence à trouver sa place parmi les rêves de Magritte, Dalí et Chagall. Il travaille sur des pièces très élaborées, sélectionnant soigneusement sa palette pour manipuler la lumière comme une scénographie évoquant les anciennes écoles flamande et hollandaise. La véritable protagoniste de ces œuvres est une imagination débridée, centrée sur la figure féminine, et qui est étroitement liée au concept du réalisme magique de notre région et aux images inattendues de Macondo.
Il atteint un équilibre comme une instantanée. Il est impressionnant de voir que tous les tissus qui couvrent les corps ou les motifs semblent prêts à se défaire à tout moment et pourraient se mêler dans le chaos : cheveux, branches, vent, nuage, parfum de fleur légère. Il y a dans ses pièces une paix qui annonce un tourbillon. Les visages, profondément humains, tentent de s’échapper de l’œuvre, comme des esclaves du pinceau, souhaitant revenir dans le monde réel après s'être retrouvés piégés dans leur propre rêve. Étrange et fonctionnelle combinaison d'avant-garde, à la manière de Pollock pour le fond, et de l'image féminine gravitant, avec des coiffes somptueuses. L'artiste recourt au jeu visuel, donnant vie à des créatures pressantes, des soupirs, des odeurs, des actes de chrysalide, des ailes. Carlos transforme la coiffe en un monde d'événements et de personnages à découvrir. Le reste n’est qu’une simple couverture, une compagnie, des bustiers oubliés dans la légèreté des empâtements, visant à concentrer toute l'attention sur la région des rêves humains. Comme s'il voulait souligner l'idée que tous les lieux ne sont pas faits pour les vols élevés, mais que ce vol fantastique s'élève néanmoins à travers les cheveux, subtile couverture de la pensée, des lumières qu’elle porte, de l’imagination féminine, à la manière de Van Eyck.
Des créatures mythiques, éclatement dans une explosion comme une naissance. Naissance rythmique. Est-ce un rayon de lumière ou une attaque de l'ombre?
Il libère des paysages travaillés dans les moindres détails. Des animaux colorés d'origine confuse. Des fruits transparents en forme d'œufs, faisant clairement allusion aux seuils de la vie, conteneurs de créatures étonnantes et originales. Carlos me suggère que son monde aurait parfois implosé, et qu'il serait lui-même l'une de ces représentations exotiques, cherchant à s'échapper pour refaire son cycle et, finalement, être.
Il trouve souvent du plaisir dans l'opulence baroque d'une jungle prodigue et vierge qui s'offre. Sensualité des fruits et des bourgeons ou du cheval et du poisson, dans un dialogue minutieusement décrit par sa main, parfois si généreuse dans les détails qu’on dirait qu’ils ont été travaillés en hommage aux cultures anciennes.
Les visages de l'artiste évoquent des canons anciens, arrondis et voluptueux. Les corps, frénétiquement beaux avec de légères traces d’instinct fatal, rouge, têtes allongées en claire allusion aux céphalopodes, à leur mystérieuse puissance, intelligence et attraction, à la force de leurs tentacules qui s'efforcent de les retenir pour qu'ils n'explosent pas, prêts à défendre le territoire que l'artiste a conquis dans les rêves.
Au milieu de ses pièces, un arbre surgit d'un corps qui est cendre, poussière et engrais. Le personnage de García Márquez, comme prétexte à l'inouï. Le Saint-Esprit, suspendu, sur le point de se poser sur les épaules dans un jeu intuitif avec le spectateur, qui tentera de l'abaisser, de le relever, de le placer ou de l'accepter. Un personnage qui s'habitue à son environnement et s’y abandonne jusqu'à perdre sa condition humaine, dans une allusion poétique à l'hystérie collective et à la sacralisation, si nuisible et fatale.
Des éléments de déploiement militaire poétisés, théâtralisés avec des rideaux et des tropes faits d'oiseaux en fuite. Voici à nouveau la rébellion de l'artiste, mais avec une symbolique soigneusement travaillée à partir des nouveaux univers culturels où il a vécu et créé. Voici Carlos, l'éternel rebelle profondément attaché à ses racines.
Des bateaux portés par des voiles de souffles fantomatiques, par des figures passées, parties; transportant dans les airs une sorte d’Arche de Noé vide, ornée de pampilles transparentes, tangibles, qui pourraient être des œufs, nous laissant ainsi l’espoir. Des ornements proches des algues, allusion constante à la mer ou au feu.
Des paysages "dénaturés", réalisés avec un soin d'orfèvre, feuille par feuille, pour marquer leur limite avec l'objectivité.
Carlos Sablón a atteint un degré important de maturité et a enrichi son arsenal de jugements, de visions et de projections dans l'exercice laborieux et intime de sa spiritualité. Cet enfant que j'ai connu à Bayamo, à Cuba, et que j'ai admiré pour sa persévérance et sa foi absolue dans les essences de "son" art, a grandi.
Je crois qu'il continuera à nous surprendre avec ses quêtes d'introspection éternelle et ses découvertes. Il sautera sans aucun doute vers la prochaine branche. Peut-être prépare-t-il déjà ses ailes pour extraire "son" essence, la simplifier, la répandre sur ses toiles et dans nos vies, avec la légèreté de celui qui s'est enfin trouvé et qui a besoin de toujours moins pour revenir se renouveler et se donner.
Iraida Ginarte González.
Curatrice et critique d’art.
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